domingo, 7 de marzo de 2010

La Gruta De Los Lienzos

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  • François Boucher

    Posted: 2010-02-28 15:17:20 UTC+01:00
    François Boucher (1703–1770) Pintor francés que gustó del estilo galante, propio de la época rococó. Es famoso por sus pinturas idílicas y voluptuosas de temas mitológicos, alegorías sobre pastores y por varios retratos de Madame de Pompadour. Fue quizá el pintor decorador más famoso del siglo XVIII y ha pasado a la historia como uno de los mayores exponentes de la pintura rococó francesa, al igual que su mecenas, Madame de Pompadour.
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    Hijo de Nicolas Boucher. Tuvo un aprendizaje más bien accidentado, con varios maestros y diversos obstáculos para triunfar. A los 17 años, fue aprendiz del pintor François Lemoyne, con quien sólo duró tres meses. Luego pasó a trabajar con el grabador Jean-François Cars; con él aprendió la técnica del aguafuerte. En 1723, Boucher ganó el prestigioso Premio de Roma, pero por falta de plazas tuvo que esperar cuatro años para disfrutar de dicho premio, que consistía en un viaje de estudios en Italia, alojado por la Academia Francesa en Roma. Mientras esperaba, siguió trabajando en el taller de Cars, colaborando en una serie de grabados sobre dibujos del difunto Watteau, promovida por Jean de Julienne (1726-28). Finalmente, Boucher emprendió el viaje a Italia acompañando a los Van Loo y el director de la Academia de Roma, Charles-Joseph Natoire, le recomendó representar paisajes tomados del natural. Tras su regreso a Francia, en 1731, fue admitido en la Real Academia de Pintura y Escultura. Llegó a ser rector de tal academia y director de la Real Fábrica de tapices de los Gobelinos. El apoyo de la Marquesa de Pompadour fue esencial en su éxito. En 1765 fue nombrado Primer pintor del rey.
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    Su obra está inspirada en artistas como Watteau y Rubens. Del primero tomó algunos temas, pero los representó con una energía vital y un color más vivo que recuerda más a Rubens. De todas formas, empleaba una pincelada bastante pulida y buscaba un acabado muy detallista, sin la audacia de Rubens y más bien destinado a agradar a su clientela cortesana. Muchos de sus cuadros eran de pequeño formato, para estancias privadas y no para grandes salones oficiales, por lo que estaban pensados para ser vistos de cerca y su superficie recuerda a la porcelana.
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    Sus primeras obras celebraban la tranquilidad de la naturaleza y la evasión que otorga el campo. Su trabajo olvida la inocencia tradicional del campesino, e impregna sus escenas con algo de erotismo, y sus escenas mitológicas son apasionadas y amorosas, en lugar de las típicas épicas.
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    La marquesa de Pompadour, quien era sinónimo de arte rococó, era una gran admiradora de la obra de Boucher, y son en los retratos de ésta donde el pintor muestra más claramente su estilo. En cuadros como "El almuerzo" (1739) muestra una escena familiar con gran maestría, usando a su propia familia como modelos. Este estilo intimista contrasta con las imágenes explícitas que pinta en los retratos de las odaliscas, como puede verse en el "Desnudo en reposo". La cara de la mujer es la de su propia esposa (Diderot dijo que Boucher estaba «prostituyendo a su mujer») y, según leyendas, los glúteos son los de Madame de Pompadour.
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    Además de sus cuadros, Boucher diseñó trajes para teatro, tapices, gobelinos y participó en la decoración de los palacios de Versalles, Fontainebleau y Choisy.
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    lienzos de François Boucher (c)
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    Respetando la condiciones de uso de Webshots, los desnudos se excluyeron del álbum
    Sin embargo, en Megaupload pueden descargarse el álbum completo de F. Boucher

  • Antonio Muñoz Degrain

    Posted: 2010-02-02 18:19:19 UTC+01:00
    Antonio Muñoz Degrain (1840–1924) Pintor español de estilo ecléctico, mezcla de romanticismo con modernismo.
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    Empezó a estudiar arquitectura, estudios que dejó para dedicarse a la pintura. Acudió a la Academia de Bellas Artes de San Carlos en Valencia, pero es más bien un pintor autodidacta. En 1862 se da a conocer en la Exposición Nacional. Recibe premios en ediciones posteriores. En 1870 su amigo Bernardo Ferrándiz le requiere para decorar el techo del Teatro Cervantes en Málaga, ciudad a la que se traslada. Allí enseñó en la escuela de San Telmo. En 1898 es nombrado Director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
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    En sus comienzos realizó una pintura realista. Realiza cuadros de temas históricos. Destaca sobre todo como paisajista. Trata los temas con gran imaginación y ciertas implicaciones simbolistas. Al final de su vida, pinta con pinceladas cortas y vivas, de un cierto impresionismo tardío. Entre sus obras, se pueden citar: "Vista del Valle de la Murta" (1864, premiado en la Exposición Nacional), "Paisaje del Pardo al disiparse la niebla" (1867, premiado en la Exposición Nacional), "Otelo y Desdémona" (1881), "Los amantes de Teruel" (1884, primera medalla en la Exposición Nacional) o "El Tajo, lluvia" (1915).
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    lienzos de Antonio Muñoz Degrain (c)

  • la Historia hecha Pintura

    Posted: 2010-01-25 14:21:58 UTC+01:00
    A veces los pintores han hallado inspiración en los personajes históricos más relevantes y sus grandes aventuras. Otras veces su habilidad han servido como herramienta de propaganda política para algunos dirigentes. Sea como fuere, la Historia ha sido y sigue siendo un estímulo inagotable para los artistas.
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    Es por esto que he decidido dedicar una nueva galería a esta temática, la cual seguro que será fuente de muchas e interesantes salas.
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    Personajes históricos:

  • Zenobia de Palmira

    Posted: 2010-01-25 13:24:51 UTC+01:00
    Zenobia (castellanización del nombre original Zainib) (23 de diciembre 245 - 274) reina de Palmira entre 267 y 272 y esposa del príncipe Odenato de Palmira.
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    Odenato (castellanización del nombre Odenat) era un príncipe cliente del Imperio Romano, pero fue asesinado junto a su heredero y entonces Zenobia tomó las riendas del poder. Aprovechando las disputas en el interior del imperio por la corona del mismo, el reino de Palmira se sublevó e intentó crear su propio imperio con la intención de dominar a los dos que le flanqueaban, el romano y el sasánida. También tenían el incentivo de aprovechar el vacío de poder que el Imperio Sasánida aún no había alcanzado a llenar.
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    Las campañas militares de Zenobia le permitieron crear un imperio que abarcaba toda el Asia Menor e incluso logró tomar Egipto con sus tropas, ya que allí se había levantado un posible candidato al trono romano. Zenobia logró deponer al pretendiente y reclamó la corona del imperio para su hijo. Sin embargo, el Emperador Aureliano emprendió una campaña militar contra Zenobia y la derrotó. La ciudad de Palmira recibió el perdón en un principio pero, ante un intento de rebelión de sus habitantes, fue completamente destruida.
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    Hoy en día, en el lugar donde se levantaba la majestuosa Palmira, la ciudad que llegó a rivalizar con las más imponentes del Imperio Romano, solo quedan ruinas de un pasado glorioso. Zenobia la había embellecido con una avenida custodiada por grandes columnas; también erigió estatuas de ella y de su difunto esposo Odenato. En materia religiosa, al contrario de sus pares romanos, había sido bastante tolerante, pero ella al parecer fue adoradora del dios solar. Finalmente, el pueblo de los nabateos que había fundado aquella bella urbe, desapareció de la Historia Universal.
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    Zenobia fue exhibida en Roma, como prisionera y con cadenas de oro, en el desfile triunfal. Se dice que Aureliano, impresionado por su belleza y dignidad, la liberó y le dio una villa en Tibur (ahora Tivoli, Italia), donde pasó el resto de su vida. Algunos historiadores (antiguos y modernos) creen que se casó con un senador romano y tuvieron descendencia.
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    Parece ser que Zenobia, aparte de su ambición política, era una reina culta y cortesana, que fomentó las artes durante su corto reinado. Entre sus protegidos se encuentra Pablo de Samosata, uno de los más destacados teólogos de su época, que hizo carrera como obispo protegido por la reina. El interés de Zenobia era promover una versión más judaizante del Cristianismo, que pudiera imponerse a la romanización cada vez más acelerada del mismo; las doctrinas de Pablo de Samosata serán llevadas a su máximo desarrollo por su discípulo Arrio, fundador del arrianismo.
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    ·· lienzos inspirados por Zenobia, reina de Palmira ··

  • Leda y el cisne

    Posted: 2010-01-02 18:33:36 UTC+01:00
    En la mitología griega Leda, era una de las hijas de Testio (rey de Etolia) y Eurítemis. Si bien hay quien asegura que era hija hija natural de Glauco (hijo de Sísifo) y Pantidía, casada luego con Testio, que adopta a Leda.
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    Se casó con Tindáreo cuando éste se refugió al amparo de Testio, tras ser expulsado de Lacedemonia por Hipocoonte y sus hijos. Más tarde Heracles devolvería el trono de Lacedemonia a Tindáreo, que regresó a su tierra con Leda como su mujer.
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    El suceso por el que se la reconoce es por su encuentro sexual con Zeus. Según relata la leyenda, mientras caminaba junto al río Eurotas, Leda fue violada por Zeus, que entró en escena transformado en cisne y fingiendo ser perseguido por un águila. Como consecuencia de aquello, Leda puso dos huevos, uno de los que nacen los Dioscuros (Cástor y Pólux) y Helena y Clitemestra, aunque solo Helena y Pólux son considerados hijos de Zeus. Más tarde, Leda sería divinizada por Némesis, la diosa del castigo justo.
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    Si bien, existen otras versiones más antiguas en las que la participación de Leda es menos traumática. En una de ellas, es Némesis la que es atacada por Zeus y trata escapar de él mediante la metamorfosis, convirtiéndose en distintos animales para poder escapar del dios. Sin embargo, Zeus la imita y le sigue el juego hasta que finalmente ella se convierte en una oca y él la viola en forma de cisne. A consecuencia del encuentro, Némesis dio a luz un huevo que depositó en un pantano, donde Leda lo encontró. Según otras leyendas, el descubridor del huevo abandonado por Némesis fue un pastor, que lo entregó a su vez a Leda, que lo guardó en un cofre hasta que eclosionó dando luz a la hermosa Helena, a la que Leda adoptó.
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    Según otras fuentes, Zeus transformado en cisne y fingiendo estar en peligro, se refugia en el seno de Némesis y luego la viola, siendo Hermes el encargado de depositar el huevo en los muslos de Leda, para que sea ella quien lo "alumbre".
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    A parte de los 4 hijos reconocidos a Leda, los trágicos añaden, además, a esta lista a Febe.
    En Arte se le suele representar con un cisne y, a veces, con uno o dos huevos de los que salen sus hijos. Se la llegó a representar como la cáscara de un huevo gigante.
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    ·· Leda conquistada por Zeus convertido en cisne ··

  • Almeriane

    Posted: 2009-12-19 13:31:46 UTC+01:00
    Hacía tiempo que el descubrimiento de un pintor no me impactaba tanto como lo ha hecho Almeriane, una artista exquisita que liba su arte de los maestros y de la luz mediterránea y andaluza de su Almería natal, plasmándolo en lienzos llenos de color y de calor que se convierten en homenaje y estandarte de todas sus pasiones.
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    "Todo es color" de Almeriane, extraída de ArteLibre (link)
    expuesto en el Louvre en 2006
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    Almeriane en la red...
    * su web * su blog Art Nouveau Andaluz * Pre-Raphaelites Tribute *
    * otro blog * Galería ArteLibre * YouTube *
    * artistasdelatierra.com *
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    · Vídeo de la exposición en el Teatro Auditorio de Roquetas de Mar
    realizada por Faro Television de Roquetas de Mar. ·

  • Impresionismo

    Posted: 2009-12-08 18:30:04 UTC+01:00
    periodo: 1869-1885.
    movimientos afines: Realismo y Escuela de Barbizon.
    movimientos contrarios: Academicismo.
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    El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en Francia) caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet “Impresión: sol naciente”.
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    Un arte burgués y positivista.
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    El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica: por un lado, el florecimiento de la burguesía; por otro, la llegada del positivismo.
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    La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres. Gracias a ellos el campo deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio y de excursiones campestres. La ciudad, en tanto, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: los “flanneurs”, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de París. Cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias… Un mundo fascinante que bajo la mirada de los impresionistas eclipsan los grandiosos temas del pasado.
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    El positivismo (que defiende que el único conocimiento auténtico es el conocimiento científico, surgido al confirmar las teorías a través del método científico) irrumpe también en la pintura, donde se busca la objetividad de la percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes del color y de la óptica.
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    Los inicios (Francia)
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    El germen del movimiento Impresionista se remonta a alrededor del año 1858 y nace en un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Monet, Renoir, Sisley, Bazille) interesados en romper con los planteamientos pictóricos tradicionales. Para ello van a centrarse en la pintura al aire libre, en la que pretenden plasmar la cambiante luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas.
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    En busca de una nueva forma de entender la pintura, los impresionistas centran su atención en el trabajo de los paisajistas del Romanticismo inglés (sobre todo Joseph Mallord William Turner y John Constable) y en las innovaciones de Camille Corot y la escuela de Barbizon.
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    De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de colores intensos; el máximo exponente de estas características lo encontramos en “Lluvia, vapor y velocidad”, un cuadro que podríamos considerar ya preimpresionista.
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    Corot renunció a muchos de los recursos formales renacentistas y prefirió concentrar su atención en espacios más planos y sencillos y en superficies más luminosas. Nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos (como hicieron los impresionistas) y siempre organizó sus lienzos para conseguir una cierta composición clásica. Sin embargo, usó con frecuencia una elevada clave tonal, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial.
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    Además, durante este período inicial fue fundamental la figura de Manet, que se convirtió en el abanderado del antiacademicismo tras sus trabajos “Merienda Sobre la Hierba” y “Olimpia”. Rechazado por los Salones oficiales, Manet se convierte en el promotor del “Salon des Refusés”, creado en 1863 a modo de contestación de los Salones Oficiales de Otoño, que mantenían un arte estancado y carente de originalidad. Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de Manet, lo que le ha valido el galardón de padre del Impresionismo. Dos trabajos se consideran esenciales para comprender su influencia en el grupo. El ya mencionado “Desayuno sobre la hierba”, donde las miradas de los personajes nunca se encuentran y en el que, a pesar de que las figuras representadas son humanas, Manet las trata como figuras en un bodegón; este trabajo inculcará en los impresionistas la desatención del modelo y de la narración. Por otra parte “El bar del Folies-Bergère” evidencia el interés por los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar.
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    El público aún no está preparada para este nuevo lenguaje de pincelada descompuesta en colores primarios que han de recomponerse en la retina del espectador. Sin embargo, Impresionismo cuenta con el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte (que encauzará el gusto del público) y los "marchands" o vendedores de arte (que colocarán sus cuadros en las mejores colecciones del país). Además, las tertulias, los Salones extra-oficiales y el propio escándalo se van a convertir en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. Eso sin hablar ya del favor que disfrutarán por parte de la burguesía, encantada de verse retratada en los lienzos impresionistas.
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    Formalización del impresionismo (Francia)
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    El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo. Los tanteos estaban olvidados. El paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento había empezado. Todos los impresionistas eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando.
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    Fundaron una Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria “Impresión: sol naciente” de Monet que, burlonamente citada por el crítico Louis Leroy, dio nombre al grupo.
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    Tras la primera exposición, los impresionistas reunieron sus obras en siete ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de mayor cohesión del movimiento—, 1879, 1880, 1881, 1882 y 1886), a lo largo de las cuales dejaron de participar algunos de los artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir, Sisley) y se añadieron nuevos nombres (Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las primeras publicaciones importantes sobre la nueva tendencia fueron los artículos de Zola (en L'Évènement) y de Castagnary (en Le Siècle), "La nouvelle peinture" (1876) de Duranti y la "Historia de los pintores impresionistas" (1878) de Duret.
    ···
    Técnica
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    Los impresionistas prescinden de los grandes lienzos. Esto se debe a que estos no se tratan de compromisos sociales sino, en todo caso, de encargos privados. Además, los impresionistas tienen por costumbre salir a la calle o al campo para trabajar, por lo que han de reducir el material que llevan consigo. De gran ayuda será para ello el uso del óleo en tubo, generalizado a mediados del siglo XIX, que liberaba al artista de la engorrosa elaboración de pigmentos en el estudio y le permitía salir a pintar al exterior.
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    Tienden a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios (rojo, azul y amarillo) y sus complementarios (verde, naranja y morado respectivamente). Sin embargo, a veces se permititen mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo
    ····· círculo cromático··
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    Prescinden de los colores pardos y terrosos y destierran el negro de la paleta al observar que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables.
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    Para distribuirlos obedecen a ley de colores complementarios y los emplean normalmente distinguiendo entre los fríos y los cálidos. Las sombras dejaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados, los cuales creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces dejaron de ser claras para conventirse en colores cálidos o saturados, que daban la sesanción de elevarse del fondo. Se rompe así con el sistema clásico del claroscuro, más propio del dibujo, y de la perspectiva… A decir verdad, los impresionistas huyen de todos los recursos propios del dibujo, aplicando en sus cuadros únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color.
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    A esta explosión de color contribuyeron las importantes evoluciones científicas y técnicas de la segunda mitad del siglo XIX, que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables
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    Desplazada por el color, la preocupación por la forma desaparece y deja paso a la obsesión por la luz y su influencia sobre el color de los objetos. Los impresionistas buscan condiciones de iluminación que reten a su genio: la luz artificial de Edgar Degas en sus salones de ballet, la iluminación natural filtrada de Auguste Renoir
    y sus arboledas, los reflejos en el agua en los estanques Claude Monet... Ante la presencia de la luz, las formas se diluyen, se mezclan o se separan dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.
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    8 Estudios sobre la Catedral de Ruán de Monet (de izqda. a dcha. y de arriba a abajo): sol matinal, armonía en azul * por la mañana, armonía en azul * a pleno sol, armonía en azul y oro * a pleno sol, armonía en azul y oro * a pleno sol, armonía en azul y oro * al sol de la tarde * en un día gris * visto de frente, armonía marrón

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    ¿Y qué ocurre si liberamos al pintor del encorsetamiento de la forma, de la sombra, del dibujo? La pincelada se libera y aparece corta, fragmentada, dejando a veces entrever el blanco del lienzo, siendo la retina del espectador la que ha de recomponer esas pinceladas sueltas para captar la imagen. Esta pinelada ligera unida al pequeño tamaño de los lienzos que usaban confiere a los impresionistas una gran agilidad y velocidad en sus trabajos... Pero, ojo, que no hablo de una velocidad figurada, sino real, ya que un impresionista podía acabar un lienzo en unos 15 minutos.

  • Rogelio y Angelica

    Posted: 2009-11-20 08:00:03 UTC+01:00
    A principios del siglo XIX, en Francia se puso de moda el interés por la literatura medieval y los clásicos franceses. Sin ir más lejos, el tema de Rogelio y Angélica fue rescatado de un poema épico escrito en 1516 por Ludovico Ariosto y titulado "Orlando furioso", ideado como una continuación del poema épico "Enamorado Rogelio"escrito por Matteo Maria Boiardo en 1486.
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    Boiardo dejó a su "Enamorado Rogelio" hecho prisionero por un caballero que montaba un hipogrifo, tras el cual se esconde el mago Atlante. Retomando la historia donde Boiardo la dejó, Ariosto encarga su liberación a Bradamante, hermana de Reinaldo, enamorado de Angélica. Para resolver su misión, Bradamante cuenta con el anillo mágico de Angélica, el cual tiene un doble poder mágico: puesto en el dedo, deshace cualquier encanto; puesto en la boca, vuelve invisible al que lo lleva.
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    Con el anillo en el dedo, Bradamante es invulnerable a la magia de Atlante, al cual vence. El castillo desaparece, porque era todo obra de los encantamientos de Atlante, liberando de su presidio a los caballeros y damas que están allí presos. Entre ellos está Rogelio, que se reencuentra brevemente con Bradamante, antes de que el hipogrifo sobre el que está sentado lo conduzca de nuevo involuntariamente lejos de la heroina.
    ···
    Tras pasar por la isla de la maga Alcina, donde queda preso de su encantamiento por una temporada, Rogelio vuelve al reino de Logistila, donde la maga Melisa lo instruye en la monta del hipogrifo. Sobre los lomos de su recién adquirida montura, Rogelio atraviesa Asia y Europa hasta las proximidades de la isla de Ebuda, donde descubre a una desnuda Angélica a punto de ser devorada por un monstruo marino. Rogelio logra rescatarla y huír con ella a la Bretaña francesa.
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    Nada más descabalgar, Rogelio queda prendado de la belleza de Angélica e intenta conquistarla para si. Sin embargo, Angélica mete en su boca el anillo que previamente le había devuelto el caballero y, volviéndose invisible, huye de él para volver a su reino de Catay.
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    Desde el punto de vista literario, hay que aclarar que Rogelio no es el protagonista absoluto del relato de Ariosto, ya que comparte su amor por Angélica con muchos otros pretendientes, como el ya mencionado Reinaldo, el propio Orlando, que da nombre a la obra, o el tierno Medoro, al que los años ha convertido en el gran amor de Angélica. De hecho, el heróico rescate de Angélica no es más que una pequeña parte del poema, tratado en el canto décimo, estrofa 92.
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    Desde un punto de vista iconográfico, hay que destacar que el tema de Rogelio y Angélica puede considerarse una reinterpretación del tema cristiano de San Jorge, el dragón y la princesa. Además, tampoco son inevitables los paralelismos con el mito clásico de Perseo y Andrómeda, del que ya se publicó un post hace tiempo.
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    ·· lienzos inspirados por Angélica y Rogelio ··

  • Charles-Amable Lenoir

    Posted: 2009-10-30 20:12:53 UTC+01:00
    Charles-Amable Lenoir (1861-1926) Pintor francés. Nació en Châtellaillon, una pequeña localidad vecina de La Rochelle, hijo de un oficial de aduanas, por lo que las condiciones para la educación en su familia estaban lejos de ser favorable.
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    Además de revelar sus dones artísticos pronto, el joven Charles-Amable demostró también sus facilidades intelectuales, pudiendo haberse dedicado a la educación, ya que también quiso ser profesor. Habiendo aprobado con éxito los exámenes, debió dejar definitivamente Fouras, la pequeña ciudad en Charente donde su padre estaba destinado, e ir a la Universidad de Profesorado de La Rochelle. Después de graduarse en la universidad, fue trabajar como supervisor en la escuela secundaria de Rochefort.
    ···
    Entonces repentinamente eligió la carrera de artista, quizá de acuerdo con el dictamen de Eugène Bouguereau. No hay pruebas de ello de momento. Sin embargo, lo que si está probado es que Charles-Amable Lenoir era al mismo tiempo estudiante y amigo cercano de William Bouguereau; ambos procedían de la misma provincia de Aunis, concretamente de la Charente Inférieure, hoy rebautizada como Charente Maritime.
    ···
    En 1882 Lenoir fue a París, donde fue admitido en la École Nationale des Beaux-Arts en agosto, después del concurso. Gracias a la carta de recomendación de Eugène Bouguereau, también fue admitido en la Academia Juliana donde se unió a las clases de William Bouguereau y Tony Robert-Fleury.
    ···
    Después de muchos intentos en las famosas "loges", Lenoir obtuvo el Segundo Gran Premio de Roma, segundo grado (1889) y el Segundo Premio de Roma, primer grado (1890)
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    Aunque se vio obligado a instalarse en París para hacer una carrera acertada, Lenoir, como su profesor y amigo íntimo Bouguereau, siempre estuvo vinculado a Charente. De hecho, todos los veranos ambos regresaban a su provincia natal, donde solían citarse, ya fuera en La Rochelle, donde vivía Bouguereau, o en Fouras, donde Lenoir había adquirido un terreno y había construido una vivienda.
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    Después de su muerte en Fouras, su esposa, de soltera Eugénie Lucchesi, conservó el trabajo del último estudio del artista, incluyendo pinturas, estudios, dibujos, mobiliario, etc. Sus descendientes han continuado con esta actitud hasta hoy y gracias a esta parte de la familia, la vivienda de Fouras conserva el aspecto con la que Lenoir la dejó en 1926.
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    lienzos de Charles-Amable Lenoir
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    Atendiendo los terminos de uso de Webshots, se excluyeron los desnudos.
    No obstante, pueden descargarse el album completo en Megaupload.

  • Elsie Russell

    Posted: 2009-10-27 13:10:40 UTC+01:00
    Elsie Russell (n. 1956) es una pintora poderosa, amante de los grandes contrastes, de los colores rotundos y de la mitología clásica, la desnudez, el simbolismo y el retrato. Su obra es una interpretación diferente del academicismo, lleno de color y de fuerza.
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    "Amy" de Elsie Russell (c)
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    Elsie Russel en la red...
    Parnasse (pintura) * su blog (escritos) *

  • Charles Gleyre

    Posted: 2009-10-16 20:22:52 UTC+02:00
    Marc Gabriel Charles Gleyre (1806-1874) Artista suizo de estilo Academicista. Estuvo en el taller de Paul Delaroche en 1843 y enseñó a muchos jóvenes artistas que después se consagrarían como Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley o James Abbott McNeill Whistler.
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    Sus padres murieron cuando tenía 7 u 8 años y lo crió un tío suyo en Lyon, quien lo envió a la escuela industrial de esta ciudad.
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    Al final de su adolescencia fue a París, donde pasó cuatro años estudiando intesamente el arte. Los cuatro años siguientes los pasó en Italia, donde se hizo amigo de Horace Vernet y Louis-Leopold Robert. Los seis siguientes los compartió entre Grecia, Egipto, Nubia y Siria. En Sufrió un enfermedad oftálmica en El Cairo y de fiebres en el Líbano, regresando a Lyon en un estado de salud deplorable.
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    Al recuperarse fue a París y se estableció en un modesto estudio de la rue de l’Université, donde empezó a dar forma a las ideas que le habían rondado por la cabeza hacía tiempo. Realizó "Diana dejando el baño" y "Joven nibio", algunos cuadros de frutas, que no llamaron la atención entonces, y el cuadro que lo catapultó dentro del mundo artístico, La apocalíptica visión de San Juan enviado al Salón de París de 1840.
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    A éste le siguió en 1843 "Tarde", que más tarde se hizo popular como "Las ilusiones perdidas". En él aparece un poeta sentado en un banco junto al río con la cabeza gacha y con una pose cansada, dejando su lira caer de una mano despreocupada y mirando fija y melancólicamente a una comparsa de doncellas cuyo canto deja de oír y cuyo bote se aleja lentamente de su mirada.
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    A pesar de su éxito, se retiró y pasó el resto de su vida dedicándose devotamente a sus ideales artísticos. Después de 1845, cuando expuso su "Separación de los Apóstoles", sólo exhibió en el Salón "La danza de las bacantes" en 1849. Sin embargo, siguió siendo muy productivo, demostrando una capacidad enorme de captar el dolor; cuando le preguntaban por su método para plasmar todo esto, decía, "En y pensant toujours"(Pensando en eso siempre). Era muy meticuloso y contagió su laboriosidad a muchos artistas. Pasaban años hasta que finiquitaba sus obras. Para cuando Delaroche dejó su taller de instrucción, se lo recomendó a sus alumnos y Gleyre accedió a dar lecciones dos veces a la semana sin que se le compensase por eso.
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    Por instinto y principio, era célibe y en sus años de retiro se interesó por la política y concertaba citas de un partido liberal en su estudio. A pesar de los desastres de su época, se mostraba bastante optimista, "la raison finira bien par avoir raison" (La razón acabará teniendo razón). Murió de repente en una visita a la Exposición Retrospectiva de los exiliados de Alsacia y Lorraine
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    Dejó inacabado su "Paraíso terrenal", un noble cuadro que Taine describió como "un sueño de inocencia, de dicha y de belleza". Entre otros cuadros del pintor cabe destacar "Diluvio", donde aparecen dos ángeles sobre una desolada tierra en la que las aguas que la destruyeron empiezan a retirarse dejando que se vean los estragos. Otros cuadros importantes son "La batalla de Lémano", "El hijo pródigo", "Rut y Boaz", "Ulises y Nausícaa"; "Hércules a los pies de Ónfale", "El joven ateniense" o "Safo" o "Minerva y la ninfa", "Venus y Adonis", "Dafne y Cloe", "El amor y las parcas". También dejó numerosos dibujos y cuadros y se le atribuye el retrato de Heinrich Heine, en Revue des deux mondes en abril de 1852. Se estima que realizó 683 obras.
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    lienzos de Charles Gleyre
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    No obstante, pueden descargarse el album completo en Megaupload.

  • Cleopatra

    Posted: 2009-10-14 08:00:01 UTC+02:00
    Cleopatra (70 a.C. - 30 a.C.) Reina de Egipto. A la muerte de Ptolomeo Auletes, rey de Egipto, la corona quedó en manos de sus dos hijos: Ptolomeo y Cleopatra, que debían desposarse. La joven deseaba conquistar el poder en solitario por lo que inició una serie de maniobras para acabar con la vida de su hermano. La corte, que le era hostil, acusó a Cleopatra de tratar de matar al rey lo que obligó a huir a la joven reina. Su próximo movimiento sería ponerse al frente de un ejército para desencadenar una contienda civil.
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    La llegada de César a Egipto persiguiendo a Pompeyo dará un nuevo empuje al enfrentamiento fratricida. Ptolomeo apuesta por César y hace asesinar a su enemigo. Pero Cleopatra no dudó en utilizar su encanto femenino para hacerse con el apoyo del romano, acudiendo al palacio y seduciendo al gran general. La derrota de Ptolomeo fue el siguiente paso, consiguiendo la bella reina su propósito. Durante nueve meses César y Cleopatra vivieron una intensa historia de amor de la que nació Cesarión.
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    Una vez más Cleopatra va a participar en la historia de Roma cuando Antonio se hizo dueño del Asia Menor. Tras la batalla de Filipos (42 a.C.) Antonio se reunió con ella en Tarso. La llegada de la reina fue espectacular y con su belleza y encanto conquistó también el corazón del general romano. En el año 37 ambos se desposaron para convertir en realidad uno de sus sueños: la creación de una gran monarquía oriental al margen de Roma. Para evitar esta empresa Octavio dirigió sus fuerzas a Oriente donde se libró la batalla de Accio (31 a.C.) en la que Antonio salió derrotado.
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    Cuando Octavio se personó en Alejandría para contemplar aquella belleza que había cautivado a los dos mejores generales romanos, Cleopatra intentó hacer lo mismo con él; pero la edad de la reina y el carácter frío de Octavio motivaron que la maniobra de seducción no obtuviera el deseado resultado. Octavio informó a la reina egipcia de sus intenciones de llevarla a Roma como parte de su cortejo triunfal. Una humillación de ese talante no era admitido por Cleopatra que no dudó en encerrarse en su palacio y suicidarse poniéndose un aspid en el pecho. Cuando Antonio conoció la noticia de la muerte de su amada corrió el mismo destino.
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    ·· Sala dedicada a Cleopatra ··

  • Gustave Klimt

    Posted: 2009-10-11 20:16:26 UTC+02:00
    Gustave Klimt (1862–1918) Pintor y artista gráfico austríaco. Estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, recibiendo la influencia del pintor Hans Makart. Hacia 1890 se desprende de los modelos académicos para afirmar un estilo personal basado en la utilización de la alegoría y la estilización del ornamento.
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    En 1897 se convierte en uno de los fundadores de la Sezession de Viena, madurando su estilo dentro del art nouveau , inspirándose para ello en el arte de Rávena, en la estampa japonesa o en el simbolismo de Khnopff.
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    Sus murales para la Universidad de Viena (1900–1903), provocan fuertes críticas debido a su erotismo y a sus constantes referencias literarias y metafísicas. El conjunto de mosaicos realizados para el comedor del palacio Stoclet de Bruselas es muestra de su maestría debido a que en su superficie se multiplican los elementos ornamentales y es abundante la utilización del oro. Durante esta época sus cuadros quedan íntegramente dedicados a la mujer, tema al que otorga una dimensión escandalosa y original por su falta de encuadre y por el hieratismo de las actitudes.
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    Su obra influye en los jóvenes artistas austríacos, gozando ésta de un valor permanente en la historia del arte decorativo.


    lienzos de Gustave Klimt
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  • Endimión, el bello durmiente

    Posted: 2009-10-05 15:09:52 UTC+02:00
    En la mitología griega, Endimión era un hermoso pastor (o, más raramente, un rey o un cazador) de Asia menor, reconocido sobre todo por su romance lunar.
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    Cuenta la leyenda que Endimión era tan hermoso que Selene, diosa de la luna, le pidió a Zeus (o a Hipnos, según otras fuentes) que le concediese vida eterna para que nunca la dejase. Alternativamente, Selene confió y amó tanto a Endimión que él tomó la decisión de vivir para siempre durmiendo. De cualquier manera, recibió la bendición de un sueño eterno. Cada noche, Selene lo visitaba donde yacía, en el monte Latmus, cerca de Milete, en Asia menor.
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    Selene y Endimión tuvieron cincuenta hijas, entre ellas Naxos, y dos hijos: Aetolus (rey de Elis o Elea y luego también de Etolia) y Epeo, que ganó el reino de su padre batiendo a sus hermanos en una carrera.
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    También se le atribuye a Endimión la proeza de haber conquistado a la casta Diana (Artemisa para los griegos). En este caso, la fábula asegura que Diana se enamoró platónicamente de Endimión, hasta tal punto que la diosa lo visitaba mientras dormía para llenarlo de besos, besándolo tan suavemente que ni siquiera lo despertaba. Claro que el origen de este mito quizá radique en el hecho de que la Diana romana y la Artemisa griega a menudo se consideraron diosas de la Luna, equiparándose a menudo con la diosa Selene.
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    ·· Endimión y su romance con Selene / Artemisa / Diana··

  • La femme dans la peinture orientaliste, Lynne Thornton

    Posted: 2009-10-02 19:26:17 UTC+02:00
    "La femme dans la peinture orientaliste, Volume 3" de Lynne Thornton está dedicado al retrato femenino en la pintura orientalista. Las primeras 200 páginas del libro abordan los diferentes temas tratados en este estilo: el toilette, las ceremonias, los retratos... Las 50 últimas recopilan la biografía de sus grandes pintores. Desde Google Books podemos acercarnos a este libro y, aunque hay páginas excluídas de la vista previa, disfrutar de su belleza y de su información, eso sí, en francés ;)
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    ·· ver en Google Books (en francés) ··

  • Artemisia Gentileschi

    Posted: 2009-10-02 19:27:10 UTC+02:00
    Artemisia (1593-1652) es la hija de uno de los principales seguidores del caravaggismo, Orazio Gentileschi. Ella misma fue una destacada pintora dentro del Naturalismo Tenebrista. Empresaria de su propia obra, su trayectoria personal influyó grandemente en su producción. Violada por su profesor de dibujo, Agostino Tassi, fue a ella a quien el tribunal sometió a tortura para verificar su testimonio. Tal vez fue eso lo que la impulsó a tratar habitualmente temas protagonizados por mujeres fuertes, como es su "Judit y Holofernes". Artemisia fue un caso atípico dentro de la historia de la pintura. No tanto por su condición femenina, como por su independencia. Mujeres pintoras había habido desde antiguo. Documentadas históricamente, las primeras se incluyen en el ámbito de la Grecia Clásica y Helenística, como Helena la Egipcia. Pero desde ese momento y hasta prácticamente nuestros días, las mujeres dedicadas a la pintura lo hacían por vocación desde una posición acomodada, normalmente siendo miembros de la aristocracia o de la burguesía, lo que las eximía de tenerse que ganar la vida con aquella actividad manual y poco digna, disfrazándola de hobby. Artemisia, en cambio, se formó en un taller romano de medio nivel económico, y en vez de casarse con uno de los aprendices de su padre, a quien se le transmitiría el taller, aprendió y ella misma se hizo con el negocio. También en España hubo casos semejantes, como en Sevilla: la Roldana, hija del artista religioso Luis Roldán, que se estableció por su cuenta. Pero en cualquier caso era poco frecuente que aquello ocurriera, pese al increíble talento que pudieran demostrar, como fue el caso de Artemisia.


    lienzos de Artemisia Gentileschi
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  • José Barberá

    Posted: 2009-09-10 12:03:23 UTC+02:00
    José "Barberá" Barbeta Sánchez (1945-?) Pintor valenciano con un especial interés por los paisajes, los pueblos de casas blancas y las flores. Debido al ambiente artístico que lo rodeó, comenzó a practicar desde una edad temprana, empezando a pintar a la edad de diez años. En 1957 comenzó su entrenamiento formal en arte. Durante su educación y formación, estudió bajo los profesores Genaro La Huerta y Santiago Rodríguez, comenzando a pintar profesionalmente cuando terminó su entrenamiento en la escuela, en 1973.
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    Exhibió en numerosas galerías: Sala Ticiano (Valencia, 1977), Galería San Horge (Alcoy, Alicante, 1980), Galería Bachiller (Valencia, 1983), Galería Ingres (Madrid, 1984), Galería Gabarro (Sabadell, Barcelona, 1986), Galería De Arte (Zaragoza, 1987), Galería Belles Artes (Gijón, Asturias, 1988) y Galería San Jorg (Alcoy, Alicante, 1990).
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    Los premios recibidos incluyen el Premio Bienal De Pintura (Moncada, Barcelona), el Premio Caja De Ahorros (Segorbe, Castellón), el Premio Ayuntamiento De Castellón, la Medalla Al Merito Del Ministerio De Información y Turismo de Madrid, un Premio Tema Local (Paterna, Valencia), un Premio Pintura Caja De Ahorros Oriente (Valencia).
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    El ayuntamiento de Paterna, en Valencia, expone trabajos de "Barberá". Además, hay obras suyas en colecciones privadas en América, Japón, la Arabia Saudita, y Holanda.
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    ·· lienzos de José "Barberá" Barbeta Sánchez (c) ··

  • Ío

    Posted: 2009-08-31 13:23:24 UTC+02:00
    Por el simbolismo de su historia, Ío se identificaba con la diosa egipcia Isis y con la diosa fenicia Astarté, mezclándose atributos e historias de las tres.
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    En la mitología griega, Ío era la doncella de Argos, hija de Ínaco (o de Yaso, rey de la ciudad, en otras versiones) y sacerdotisa de Hera, que es reconocida sobre todo por sus aventuras con Zeus.
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    Zeus se le presentaba en sueños incitándola a que le entregara su virginidad en el lago de Lerna. Ío, muy prudente, confió el sueño a su padre antes de tomar una decisión, quien, asediado por la preocupación, consultó tanto el oráculo de Delfos como el de Dodona. Ambos le indicaron que no había forma de escapara al destino y que debía cumplirse el sueño de la joven si no querían ser fulminados todos por el rayo.
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    Algunas versiones cuenta que Ínaco, obedeciendo los designios del oráculo, expulsó a Ío de casa y que, arrepintiéndose al poco tiempo, envió a Cirno para que la buscase, aunque sin mucha fortuna. De hecho, Cirno llegó hasta Caria y, al no encontrarla, abandonó la búsqueda y se instaló allí por miedo a regresar sin cumplir su misión. Ante la ausencia de respuesta, Inaco envió a Lirco que, obteniendo los mismos resultados fallidos, terminó habitando en Caria y casándose con la hija del rey Cauno. Otras versiones le conceden la iniciativa a la propia Ío y afirman que fue ella misma la que tomó la decisión de obedecer el sueño y acudir al lago, donde Zeus la estaba esperando.
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    Ovidio, en cambio, apunta a una violación y relata que Zeus sorprendió a Ío mientras caminaba y, cubriendo la tierra de densa niebla, la cogió y le arrebató su virginidad. Mientras tanto Hera (Juno), extrañada de que tan densa niebla cubriera un día tan luminoso y conociendo de que pie cojeaba su cónyuge, salió a buscarlo por el Olimpo. Al no hallarlo, se dejó caer a la tierra y, ordenando que las nieblas disipasen, encontró a Zeus (Júpiter) quien, advertido la llegada de su esposa, había transformado a Ío en una maravillosa ternera blanca. Hera, que intuye lo sucedido, preguntó entonces a su marido sobre la procedencia de aquella bella vaca; a lo que Zeus respondió que había nacido de la tierra. Aprovechando aquel falso testimonio, Hera pidió a Zeus que le entregara la ternera como regalo, a lo que él accedió para no quedar en evidencia. Ya en su poder, Hera la puso bajo la custodia de Argos, el gigante de cien ojos, que permitía a Ío pacer durante el día y la aherrojaba rodeándole el cuello con cadenas al caer la noche.
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    Mientras esta situación perduró, Zeus la visitaba esporádicamente en forma de toro para poder amarla, hasta que un día comprendió la grandeza del sufrimiento y decidió intervenir. Para eso se transformó en pájaro y solicitó ayuda a Hermes, quien lo condujo hasta el árbol donde Argos tenía atada a Ío. Allí Hemes durmió al guardián con su flauta, matándolo con una piedra afilada (con una espada, según Ovidio) cuando se cerraron todos sus ojos.
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    En recompensa por sus servicios, Hera recogió del suelo todos los ojos de Argos del suelo, que se habían salido de sus órbitas por el golpe de Hermes, y los puso en la cola del pavo real, pájaro consagrado a Hera. Luego, se entregó a la necesidad de saciar su sed venganza. Fue así como se le ocurrió atar un tábano a los cuernos de la ternera, que la picaba sin cesar y que obligó a Ío a huir corriendo por el mundo sin rumbo fijo. De esta guisa atravesó el mar Jónico, que recibió de ella su nombre, recorrió Iliria, Tracia y el Cáucaso, donde encontró a Prometeo encadenado, y prosiguió por África, topándose con las grayas y las gorgonas.
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    El final del viaje fue Egipto, donde fue devuelta a la condición de mujer por las caricias de Zeus. De ambos nació Epafo, a orillas del Nilo. Entonces Hera ordenó a los curetes que le trajeran al recién nacido. Los curetes completaron con éxito la misión encomendada, por lo que fueron castigados por Zeus, que los aniquiló por cumplir las crueles órdenes de su esposa. Entonces comenzó la segunda peregrinación de Ío, esta vez en busca de su hijo. Lo encontró por fin en Siria, donde lo amamantaba Astarté o Saosis, la esposa del rey Malcandro de Biblos. Ya con su hijo en brazos, regresó a Egipto, donde se casó con Telégono, que gobernaba entonces esa región.
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    Ío construyó una estatua de la diosa Deméter, que en Egipto era llamada Isis. Con el tiempo ella misma recibió ese nombre, y terminó siendo deificada por su amante Zeus. Se le atribuía un gran conocimiento de las hierbas medicinales, incluida la de la inmortalidad.
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    No hay que confundir a esta Ío con la mujer griega llamad Ío y que fue raptada por los persas, considerado el primero de una sucesión de actos que llevó a los persas y a los fenicios a la guerra.
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    ·· lienzos inspirados por Ío ··

  • Odaliscas

    Posted: 2009-08-24 23:28:30 UTC+02:00
    Odalisca (Del fr. odalisque, y este del turco odalik, concubina) (1/2) Esclava dedicada al servicio del harén del gran turco. (2/2) Concubina turca. (Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua) (link)
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    Las odaliscas son, sin duda, un tema recurrente dentro de la pintura orientalista. Todos los pintores que han cultivado este género, han tratado este tema en una e incluso en varias ocasiones. Y es que no debe ser fácil resistirse al infortunio, la belleza, la sensualidad y el erotismo de la femme fatale del harem. Tanto es así que tampoco es extraño hallar odaliscas en mitad de un repertorio pictórico nada oriental; es el caso de artistas como Delacroix, Ingres o el mismo Matisse, quien las retrató obsesivamente.
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    ·· mi álbum dedicado a las odaliscas ··
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    Artículos recomendados en... el blog de Jesús Ángel Ortega,

  • Edwin Austin Abbey

    Posted: 2009-08-08 12:58:18 UTC+02:00
    Edwin Austin Abbey (1852–1911) Pintor e ilustrador estadounidense incluido en la "Golden Age" o Edad Dorada de la Ilustración. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, trabajando después para la Harper & Brothers y enviado a Inglaterra, donde reunió material para el estampado de poemas y otros libros. Su ilustración de William Shakespeare es considerada su mejor obra. "The Quest of the Holy Grail", una serie de paneles que se encuentran en la Biblioteca Pública de Boston, es quizá su más famosa pintura. Fue también el pintor oficial de la coronación del rey Eduardo VII.
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    ·· lienzos de Edwin Austin Abbey (c) ··

  • Pintura Rococó

    Posted: 2009-08-08 13:46:01 UTC+02:00
    La pintura rococó forma parte del estilo que, con tal nombre, nació en Francia. Esta corriente estilística se conoce igualmente como "rocaille" en Francia y Barroco tardío o "Spätbarock" en Europa central. También se la llama "pintura galante". En general, los historiadores del arte aplican el término "rococó" a la pintura con cierta cautela, debido a la dificultad que entraña determinar su homogeneidad.
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    La forma.
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    La pintura es ante todo decorativa. Se decoran paredes y techos mediante grandes frescos. Se cultiva igualmente el cuadro de caballete, si bien en lienzos de tamaño inferior, por lo general, a las grandes telas de la pintura barroca del siglo precedente. En cierto sentido también esta pintura era decorativa pues decoraba las casas de la nobleza y de la burguesía, por lo que el cuadro se adaptaba a los espacios de las casas dieciochescas.
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    Se sigue cultivando la pintura al óleo y se populariza como medio de expresión la pintura al pastel, esto es, dibujo en color sobre una hoja de papel. Fue, de hecho, uno de sus medios de expresión favoritos. La pincelada era fina, no suele por lo general apreciarse.
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    En cuanto al cromatismo, es una pintura muy colorista; se prefieren los colores vivos, luminosos, suaves y claros. Hay un esfuerzo consciente por evitar las sombras, prefiriendo la luz.
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    Predominan las formas curvilíneas, las inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, y especialmente en los temas galantes y amorosos. Las figuras son jóvenes, idealizadas, graciosas.
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    Los temas.
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    Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas. Los temas son maliciosos o frívolos. La escenas mitológicas se vuelven galantes, delicadas y sensuales, prefiriéndose representaciones idílicas de la diosa Venus, querubines y mitos relacionados con el amor.
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    Se generalizó la pintura de género, enriqueciéndola con nuevos temas exóticos, que evocaban un Oriente idealizado, como la chinería (chinoiseries), la turquería, las ruserías (russeries) y el japonesismo (japonaiseries). Lo exótico se vuelve así punto de fuga de las nuevas perspectivas de la existencia. Dentro de esta pintura de género puede entenderse comprendida la galantería o "fiesta galante" o el género pastorilBoucher. En semejantes obras a menudo se representaban comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.
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    El género del paisaje se renueva, incluyendo paisajes urbanos como las "vedute" típicamente italianas. Se incluyen en los panoramas urbanos pequeñas figuras, dando lugar al llamado "Paisaje con figuras".
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    Se cultivó extensamente el retrato, un retrato no idealizado sino por lo general más bien cotidiano y sencillo, teniendo como comitentes ya no sólo a la corte, sino también a la burguesía. Los personajes son representados con mucha elegancia, basada en la artificialidad de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos, reflejando una imagen amable de la sociedad en transformación. Se prestaba especial atención a las vestimentas, pues en sus formas debía reflejarse la moda; los tejidos se representaban con minuciosidad para transmitir con precisión las cualidades táctiles de la tela; se ponía cuidado en representar fielmente los ornamentos (cintas, flores, lazos, o plumas).
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    Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual. Desaparece así el dramatismo que caracteriza a la pintura barroca. Es desenvuelto y jovial. Apela a los sentidos, al sentimiento y la emoción, más que a la razón.
    inventado por

  • Rococó en Inglaterra

    Posted: 2009-08-08 13:49:56 UTC+02:00
    En Inglaterra el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Se considera que los introductores del estilo en Inglaterra fueron el francés Philippe Mercier (1689-1760) y Bartholomew Dandridge (1691- † después de 1754), quienes estaban muy influidos por Watteau.
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    William Hogarth (1697-1764) contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra "Análisis de la belleza" (1753) que la curva en "S" presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza. Hogarth destacó por sus ciclos de pinturas satíricas con crítica social y política. Watteau le inspiró las pequeñas "conversation pieces".
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    También el toque delicado y la sensibilidad de Thomas Gainsborough (1727-1788), reflejan el espíritu rococó. Sus retratos se ambientan con frecuencia en paisajes. Retratista fue igualmente Joshua Reynolds (1723-1792) y George Romney (1734-1802) quien ya anticipa el prerromanticismo.
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    De esta misma época es la obra de Joseph Wright, Richard Wilson (1714-1782) y George Stubbs (1724-1806).

  • Rococó en España; el Churrigueresco

    Posted: 2009-08-08 13:50:23 UTC+02:00
    La evolución del Barroco hacia el recargamiento ornamental engendró en España el estilo Churrigueresco, en cierta manera emparentado con el Rococó, pero de raíz autóctona: José Benito Churriguera (1665-1725), arquitecto y escultor español, y sus hermanos Joaquín y Alberto, también artistas que cultivaron el mismo estilo, le dieron nombre. Con todo, el nuevo estilo no llegó a difundirse demasiado, por ser elitista y estar alejado de los temas religiosos.
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    Arquitectura y escultura
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    Este estilo, plasmado sobre todo en la arquitectura y en los retablos, no fue exclusivamente de la familia Churriguera, sino que también destacaron otros artistas, como Pedro de Ribera, que trabajó en Madrid construyendo el antiguo hospicio de San Fernando (1722–1729, hoy Museo Municipal), el cuartel del Conde Duque (1720) y el puente de Toledo (1723–1724).
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    En Madrid también encontramos hermosos ejemplos del rococó en el Palacio Real, mandado construir por Felipe V en 1738,como el soberbio Salón de Gasparini y el Salón de Porcelana, aunque éste último ya anuncie la serenidad del incipiente neoclásico. En el mismo Palacio Real encontramos el Salón del Trono, un impresionante conjunto con muchos ejemplos de mobiliario rococó como los doce espejos monumentales acompañados de sus correspondientes consolas y el Trono Real. También en Madrid se encuentra otro interesante conjunto rococó en la iglesia de las Salesas Reales mandada construir por la reina Bárbara de Braganza en 1750.
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    En Aranjuez, también en Madrid, encontramos una pieza única en el Salón de Porcelana del Palacio Real, profusamente decorado en tiempos de Carlos III con motivos chinescos muy del gusto por lo orientalizante y exótico del rococó.
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    En Toledo trabajó Narciso Tomé y en Sevilla Leonardo de Figueroa, un arquitecto y decorador muy diestro que hizo la portada del palacio de San Telmo (1724–1734). Francisco Hurtado Izquierdo realizó los sagrarios de la catedral de Granada (1704) y de la cartuja de El Paular (Madrid, 1718). En la comunidad Valenciana destaca el palacio del Marqués de Dos Aguas (1740–1744) de Valencia, remodelado por Hipólito Rovira, y en la región de Murdia la fachada de la catedral de Murcia (1741–1792), del valenciano Jaime Bort. En Galicia hay que citar la gran fachada del Obradoiro (1738–1749), de Fernando Casas y Novoa.
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    Coexistiendo con este posbarroco autóctono, el Rococó francés llegó a la corte de Felipe V a través de sus esposas. No llegó a difundirse demasiado, por ser un estilo elitista y estar alejado de los temas religiosos. En arquitectura, un claro ejemplo de Rococó en España es la Catedral de Cádiz.
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    Talla en madera
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    El murciano Francisco Salzillo se inspiró en las formas delicadas del Rococó; también puede incluirse a Francisco Hurtado Izquierdo, también arquitecto del Churrigueresco.
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    Pintura
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    En un primer momento, el estilo rococó fue cultivado en España por pintores extranjeros atraídos por la corte de los primeros borbones. Así cabe afirmarlo de Miguel Ángel Houasse (Michel-Ange Houasse, † 1730), pintor de Felipe V y autor de pequeños cuadros de costumbres de refinada gracia rococó; y de Corrado Giaquinto († 1765) que decoró con bellos frescos de un delicado rococó parte del Palacio Real. Lo mismo cabe decir de Tiepolo y Mengs, que trabajaron en España.
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    Como pintores del Rococó españoles destacan Luis Meléndez y Luis Paret y Alcázar. El primero, Luis Eugenio Meléndez (también conocido como Menéndez) (1716-1780) realizó retratos, especializándose posteriormente en bodegones. Por su parte, Luis Paret
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    También destacar la obra pictórica de Antoni Viladomat i Manalt y de Francesc Tramulles Roig, discípulo de Viladomat y menos conocido debido de al carácter efímero de su obra. Francesc Pla, conocido como "el Vigatà", mostró una leve influencia del Rococó en las pinturas del Palacio Moja de Barcelona, si bien el resto de su obra hay que ubicarla dentro el estilo barroco.
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    La genial figura de Goya (1746-1828) difícilmente admite adscripción a un solo estilo, dada la amplitud y el carácter tan personal de su obra. No obstante, cabe señalar que los cartones para tapices que realizó y muchos de sus retratos se enmarcan en la estética rococó. En efecto, a partir de 1775, empezó a pintar cartones para la Real Fábrica de tapices en los que, siguiendo el gusto de la época, reflejó una temática costumbrista y popular. Del mismo modo, en sus retratos no idealiza los modelos, debiendo recordar que el retrato de la época se caracteriza precisamente por la reflexión indirecta e irónica, con una observación exacta del modelo y carente de juicio de valor, como puede verse en el autorretrato de William Hogarth, con el evidente paralelismo entre el autor y su perro, los autorretratos de Quentin de La Tour o la escultura de Voltaire de Jean-Antoine Houdon, en la que el filósofo aparece marchito, cínico y calvo.
    (1746-1799) es la más importante aportación española al estilo. Pinta paisajes con figuras y escenas de género.

Rococó en Italia

Posted: 2009-08-08 13:50:44 UTC+02:00
En Italia, siguiendo el ejemplo francés, el Rococó creó una notable renovación, sobre todo en el sector de la decoración de interiores y en la pintura. Se dio sobre todo en la región del norte (Liguria, Piamonte, Lombardía y Véneto), mientras que en la Italia central, por la influencia de la iglesia, el estilo no se desarrolla de forma sensible. En cambio en Sicilia se desarrolló una evolución del barroco de carácter propio, de gusto más españolizante, muy similar al plateresco.
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Arquitectura
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Los mayores representantes estilo rococó en la arquitectura italiana son Guarino Guarini, muy activo en el Piamonte y en Mesina, y Filippo Juvarra que trabaja mucho en Turíncasa de Saboya.
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Las obras más importantes de Guarino Guarini son: la iglesia de San Filippo, la iglesia de los Padres Somaschi y la casa de los padres teatinos, todas en Mesina, la capilla del Santo Sudario en Turín y el palacio Carignano también en Turín.
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Entre las realizaciones más importantes de Filippo Juvarra tenemos: la cúpula de la Basílica de Santa Andrea en Mantua, la cúpula de la catedral de Como, el campanario de la catedral de Belluno, la basílica de Superga cerca de Turín, el castillo de Rívoli, el palacete de caza a Stupinigi, el Palacio Real de Venaria Reale y el palacio Madama en Turín.
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Escultura
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En el sector de la escultura, el más pobre en este periodo, se distingue Giacomo Serpotta que, sobre todo en Palermo, realizó obras para varias iglesias de la ciudad, entre las que podemos citar los oratorios de Ciudad Santa, de San Lorenzo y del Rosario en Santo Domingo y la iglesia de San Francisco de Asís. Se puede considerar que algunos escultores que realizaron fuentes en Roma y en el palacio de Caserta se inspiraron en el estilo Rococó.
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Pintura
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En el campo de la pintura, los mayores intérpretes del Rococó se pueden considerar los artistas que trabajaron en la República de Venecia, destacando los grandes paisajes detallistas con representaciones de los principales espacios de la ciudad: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal, siguiendo la corriente llamada veduta. Entre las figuras más importantes a considerar encontramos a Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi y Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto
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Hubo un centro precoz del rococó en Génova, cuya máxima figura fue Gregorio de Ferrari (1647-1726), aún enmarcado en ocasiones dentro del estilo barroco.
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Giovanni Battista Crosato (1652-1725) se formó en Venecia y fue el representante de este movimiento en la corte de Turín (Saboya). Contemporáneo suyo fue Giacomo Del Po (1652-1725), cuyo original rococó se desarrolló esencialmente en Nápoles.
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Pero el rococó italiano fue, ante todo, un estilo cultivado en Venecia, que se constituyó como el centro más fecundo del nuevo estilo. Destaca sobre todo un genio de la decoración, Giambattista Tiepolo (1696-1770). Este pintor veneciano resucita el estilo y colorido de El Veronés, reinterpretándolo en clave rococó. Tiépolo usa la luz y el colorido típicos de la escuela veneciana. Pasó cuatro años en la Wurzburgo antes de volver a Venecia y finalmente fue a trabajar en Madrid, a la corte de Carlos III, ciudad en la que murió finalmente.
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Es en Venecia donde se desarrollan las "vedute", esto es, grandes paisajes urbanos en los que se describe la ciudad y sus principales espacios: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal. Estas vistas estaban en gran medida pensadas para los visitantes extranjeros, que se las llevaban a sus países de origen como recuerdo. En este género destacó Giovanni Antonio Canal, llamado Canaletto (1697-1768). Canaletto también trabajó en Inglaterra pero sin llegar al esplendor de los paisajes de su ciudad natal.
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El vedutismo fue asimismo cultivado por Pietro Longhi (1702-1785) y Francesco Guardi (1712-1785). Longhi representaba los sencillos placeres del pueblo, en el circo y en la calle. Guardi, por su parte, con un estilo al toque, representa con sus paisajes más difuminados y oscuros la República que se hunde, realizando cerca de ochocientos sesenta obras. Pinta fiestas y bailes de máscaras.
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Otros artistas venecianos a los que influyó el rococó fueron Bernardo Bellotto (1721-1780) y Marco Ricci. Además, pueden citarse otros pintores del mismo estilo, como Rosalba Carriera (1675-1757), Alessandro Magnasco (1677-1749) y Giovanni Battista Piazzetta (1688-1754).
como arquitecto de la



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